No es muy común que, pasados muchos años, recuerdes con precisión la primera vez que escuchaste un tema; pero hay canciones que se te pegan a la piel y arrastras contigo toda una vida. La primera vez que escuché a Louisiana Red fue una noche a finales de los setenta y en casa de la maestra de un pueblo perdido en medio de los Alpes de Provenza. Esa misma noche grabé un cassette con varios temas de los discos que había en esa casa para llevarlo conmigo en una vida de nómada. La cinta se abría con “Alabama Train” y me acompañó durante miles de kilómetros. Recuerdo esa canción sonando de fondo mientras miraba por la ventanilla de un tren o sacaba las cosas de la mochila en una pensión de mala muerte.
Iverson Minter (Louisiana Red) nació el 23 de marzo de 1932 en Bessemer, Alabama. Acorde a sus propias declaraciones su madre murió de neumonía una semana después y su padre fue asesinado por el KKK cinco años más tarde.  El joven Iverson fue primero internado en un orfanato de Nueva Orleans y luego vivió con varios parientes en diversos estados hasta que su abuela le llevó consigo a Pittsburgh y le compró su primera guitarra. A finales de los cuarenta se estableció en Detroit donde trabó una buena amistad con Eddie Burns y John Lee Hooker. Allí haría para el productor Joe Von Battle sus primeras grabaciones que fueron editadas por el sello Chess en 1949. Tras un periodo en el ejército, acompañó a John Lee Hooker en algunas grabaciones para Modern y, en el 53, grabó para Chess en Chicago “Funeral Hearse At My Door” acompañado por Little Walter.
Posteriormente se establecería en Nueva York donde grabó para Atlas y después para Roulette. “Red’s Dream”, un single de 1962, supone el reconocimiento del público y la crítica y el álbum “The Lowdown Back Porch Blues” le sitúa entre los mejores músicos del blues de los sesenta. En el 65 aparecen en el sello Atco “Louisiana Red Sings The Blues” y, ya en los setenta y para Blue Labor “Sweet Blood Call”  y “Dead Stray Dog”.
En 1972 su primera esposa muere a causa del cáncer y en 1975 participa en el festival de jazz de Montreux. También en los setenta participa como sideman en giras y grabaciones de Johnny Shines, Roosevelt Sykes, Brownie McGhee, y Peg Leg Sam y mantiene una breve relación sentimental con la cantante Odetta. A finales de los setenta realiza numerosas giras europeas y grabaciones con el sello alemán L&R y el inglés JSP. En 1981 se traslada a Phoenix y toca regularmente con Bob Corritore.
A finales del 81, Red, siguiendo los consejos de su viejo amigo “Champion” Jack Dupree fija su residencia en Hannover, Alemania. “Champion” y Red eran amigos desde las épocas de Nueva York y Dupree le ayudó a instalarse en Hanover, según reconoce el propio Red en una entrevista concedida a Dutyn Calls y publicada en 2003 por la revista “Blues Revue”. Durante algún tiempo fueron vecinos en apartamentos del mismo edifico (Jack buscó uno para Red)  y el primero fue la mejor ayuda que el guitarrista pudo tener a la hora de introducirse en el circuito alemán. Juntos realizaron numerosos conciertos y grabaciones.

En 1982 aparece junto a Eric Burdon, otro de sus buenos amigos, en el film “Comeback”, un relato con retazos de la biografía de Burdon dirigido por Christel Buschmann y filmado en Los Angeles y Berlín que constituye un duro alegato sobre el negocio de la música. Al poco tiempo de llegar a Hannover conoce a Dora, una chica de Ghana varios años menor que él que sería su compañera durante el resto de sus días. En 1983 recibe el premio W.C. Handy Award al mejor artista tradicional masculino.
En Europa Red trabaja intensamente y las giras y los discos se alternan con visitas (al principio escasas y más frecuentes en los últimos años) a Estados Unidos y a África donde acude una vez al año a visitar la tierra de Dora.
Tras un periodo en el que se suceden las grabaciones para sellos europeos, en 1995 graba en EEUU para Earwig Records. Después lo haría para High Tone y Severn. La producción discográfica de Lousiana Red abarca cerca de cincuenta álbumes repartidos entre casas europeas y americanas. En 2009 y producido por Little Victor sale a la luz “Back To The Black Bayou” y en 2010 es nominado a cinco premios Blues Music Awards siendo ganador de dos de ellos. Su último disco, también producido por Little Victor fue “Memphis Mojo” para el sello Ruf en 2011.
Red falleció el 25 de febrero de 2012 a causa de un derrame cerebral tras pasar varios días en coma en un hospital de Hannover.
A lo largo de su carrera visitó España en numerosas ocasiones entre las que podemos destacar la gira con Eric Burdon en 1980,  la que, en 1985 le llevó junto a Carey Bell al San Juan Evangelista de Madrid y la sala Zeleste de Barcelona o la del Festival de Blues de Cerdanyola en 1990 junto a Hubert Sumlin. Su última actuación en nuestro país tuvo lugar gracias al trabajo de su amigo personal y promotor Alfonso Cito,  en la Plaza Porticada de Santander, dentro del programa de las fiestas patronales de Julio de 2010.
Louisiana Red era una persona amable, amiga de contar historias y un apasionado de su trabajo. Para mí, además es el autor de una canción de esas que te vienen a menudo a la mente, un tema que siempre asocio con ventanillas de tren y habitaciones de hoteles baratos.
Escucho esa canción y pienso que una parte de mis referencias personales han muerto con él. No hay muchos músicos de los que se pueda decir lo mismo.

Ramón del Solo.

    Hoy, 21 de enero de 2012, se cumplen veinte años de la muerte de ”Champion” Jack Dupree en Hannover, Alemania. Según se cuenta, murió con una sonrisa en los labios. Al acto de su cremación acudieron un buen número de amigos, músicos y aficionados que atendiendo a la letra de una de las canciones de Jack (“Give me the flowers while I’m living”, “Llevadme las flores mientras esté vivo”) se abstuvieron de llevar flores al funeral y según una tradición cherookee portaba plumas para colocarlas encima del ataud. Posteriormente y según su propio deseo,  las cenizas se arrojaron al Mar del Norte.
Probablemente la historia del blues esté repleta de pianistas más virtuosos e indudablemente ha habido mejores cantantes. Pero pocos pueden presumir del inmenso legado que “Champion” ha distribuido por dos continentes a lo largo de cerca de ochenta años, menos aún podrían asegurar el haber sido testigo de primera fila de los mejores años del blues en las ciudades que vieron nacer el género, de Nueva Orleans a Chicago; de su paso y enraizamiento en el Londres de los años sesenta y de su posterior desarrollo en Europa. Y unos pocos, contados con los dedos de la mano, podrían competir con él en el número de leyendas con las que compartió grabaciones y escenarios y en la calidad de los músicos que tuteló e impulsó en su carrera hacia el blues. Esa es su mayor grandeza.
La figura de Dupree tiene además un componente multidisciplinar que le diferencia de otros músicos y que, a la manera de los artistas renacentistas, le hizo destacar e interesarse por un buen número de palos dentro del blues y en otras actividades al margen de la música.
Como bluesman cultivó el crudo estilo del barrelhouse, el más sofisticado estilo urbano de Leroy Carr, el voudeville a la manera del clasic blues cuando en Indianápolis formó pareja con la cantante Ophelia Hoy, los estilos tradicionales de su Nueva Orleans nativa, los orígenes del blues eléctrico durante su estancia en Chicago, el revival del folk blues en Nueva York, el nacimiento del blues británico en la Inglaterra de finales de los cincuenta y en sus grabaciones con Mayall, Clapton y otras tantos de los que luego serían figuras del brithis blues; la aparición de ese pianistas europeos de boogie que tan buenos resultados está dando…
Fuera del mundo de la música, “Champion” ganó, entre otros premios; un campeonato de boxeo en Indianápolis hacia el año 39 y en la categoría de los pesos ligeros tras derrotar a Bob Montgomery. La mayor parte de la carera pugilística de Dupree se desarrolló con nombres falsos, sin licencia y en el circuito de apuestas semiclandestinas. Eran tiempos duros y la supervivencia ya le había llevado a vagabundear viajando hacia el norte, llevando la vida de un hobo y saltando de un lugar a otro donde hubiese un garito con un piano para ganar algunas monedas. En Detroit y durante una temporada su mayor fuente de ingresos fue la venta ilegal de licores.
Aprendió a cocinar en un barco de guerra durante la II GM y haciéndolo para los oficiales japoneses en la Isla de Java durante los dos años en que fue prisionero de guerra. Más tarde trabajó de chef en algún restaurante alemán e incluso acarició la idea de abrir un local dedicado a los platos de Nueva Orleans. Claude Nobs, el director del festival de Montreux, afirmo que con Dupree llegó a firmar “el contrato más extraño de mi vida. Era tan buen cocinero como músico, lo que no es poco decir. Durante unos años estaba previsto que hiciese la comida si los músicos tenían hambre, o que tocase si no les apetecía…”
El racismo fue la causa que le llevó en 1959 a abandonar los Estados Unidos y asentarse en Europa, también fue un pionero a la hora de escribir letras para sus canciones en las que se criticaba abiertamente la actuación de algún presidente, se hablaba sin tapujos de temas como las drogas o se abogaba por la descolonización de los territorios coloniales africanos. A lo largo de su vida se manifestó como un luchador en pro de los derechos de los músicos y protagonizó un buen número de peleas contra los abusos de los sellos discográficos.
     Durante los últimos años de su vida, Champion inició una nueva carrera como artista plástico que le llevo a realizar exitosas exposiciones en los países del norte de Europa. Dupree encontró en la pintura una nueva forma forma de expresión con la que plamar todo aquello que llevaba dentro de otra manera distinta a la música… “Para mí es muy diferente, hay color en mis cuadro, pero no hay colores en la música. Cuando pinto, siento que me gusta esa forma de expresarme y me gustaría que la gente lo sintiese también. Cuando toco el piano expreso lo que siento y quiero que la gente lo sienta también. En mis cuadros no hay un solo color, hay muchos colores. En mis pinturas puedes ver lo que soy, en mi música puedes sentir lo que siento. Son dos formas diferentes de buscar la armonía”.En muchos de sus cuadros parece querer recuperar la herencia genética de su sangre cherokee, ya que a menudo utiliza imágenes de los primeros nativos americanos en un estilo ingenuo y primitivista.
El resto, lo más importante, son las excelentes grabaciones que desde la primera, el 13 Junio de 1940 en Chicago, y la última a unos meses de su muerte; destilan calidad y saber hacer y constituyen un repaso a su historia personal y a cincuenta años en la historia del blues. Allí está lo mejor de su legado para cualquiera que lo quiera descubrir.

Ramón del Solo

Se ha extinguido el poder de la voz de una reina de la música con raíces, la brillante energía de una mujer que nunca se rindió y que miró siempre a la vida de frente, en sus adversidades y en sus mejores momentos. Su legado musical son 37 álbumes, de los cuales 3 son en directo y 6 recopilaciones, además de casi 60 singles. A pulso se ganó el puesto entre las cantantes más importantes de soul-blues de la historia. En cualquiera de sus canciones quedará patente la dureza y agresividad de su personalidad musical, la fuerza de la intensidad emocional en su interpretación con una voz que hería e intentaba mitigar la cicatriz de las heridas en su alma. (más…)

Foto de Brian Smith (cortesía Bob Corritore)

“La armónica es la madre de la banda, una vez que tienes un buen armonicista estás en el negocio” (Otis Spann)

“En los años 20 Memphis era una ciudad totalmente barrelhouse. Todos los tipos mejor vestidos procedían de Memphis, todos los deportistas provenían de Memphis. Era la ciudad más importante para los proxenetas y los estafadores y también era la ciudad donde mucha gente fallecía asesinada.” De este modo describía Sunnyland Slim la metrópoli más poblada de Tennessee, y bien cierto es que en el Pee Wee’s Saloon, uno de los clubs más famosos de la emblemática Beale Street, colgaba un cartel que rezaba “Nunca cerramos antes del primer asesinato”. Otro local de alcurnia era el salón de juego The Monarch Club, el cual contaba con salidas secretas para el caso de que se produjeran redadas. Se conocía como el “El castillo de los hombres perdidos” puesto que justo en su trasera se emplazaba una funeraria que acogía a los clientes asesinados durante las habituales disputas a causa del juego. (más…)

La vida y la música de Hubert Sumlin es una leyenda forjada a fuego desde su estancia casi 23 años en la banda de Howlin’ Wolf. Su estilo inimitable se puede ser oir en “Killing Floor”, “Sittin’ On Top of The World”, “Smokestack Lightnin’”, “Spoonful” o “I Ain’t Suspertitious”, grandes obras maestras de los años 50 y 60 en Chicago donde se pueden contar los títulos legendarios a centenares. Tras el fallecimiento del jefe de filas en 1976 estuvo unos años con la Wolf Gang de Eddie Shaw, además de grabar más de una decena de álbumes a su nombre para distintos sellos como Black Top, Black & Blue, JSP, APO, Blind Pig, Telarc, Wolf, Blues Special (del argentino Adrián Flores), Blues Planet y Tone-Cool, junto a colaboraciones y giras con viejos amigos, como Willie Big Eyes Smith o Pinetop Perkins, que le estarán esperando allí donde el blues acoge a todos los que han interpretado su música. El British Blues no podrá nunca discutir la influencia que recibió de Sumlin con el que tiene una deuda impagable. Fue una fuente de inspiración para los Yardbirds, Clapton, Jeff Beck e incluso Jimi Hendrix o Duane Allman. Clapton siempre recordaría la guitarra de Sumlin en “Goin’ Down Slow” que le subyugó por su fiereza y Hendrix, en su primer encuentro con Sumlin en Londres le dijo “llevo escuchándote durante mucho tiempo. Eres mi guitarrista favorito”. (más…)

No puedo remediarlo, me apasiona Magic Slim, su magia me capturó hace tiempo. El sonido machacón, rompehuesos y descarnado, aunque emotivo y conmovedor, la fuerza entusiasta de su guitarra que ruge o llora, una voz áspera, crepitante. La atmósfera que crea a su alrededor te atrapa como una tela de araña, son los estallidos secos, feroces y viscerales de un sonido ciento por ciento urbano que no olvida los ancestros downhome. La fogosidad de sus slow blues que se viven con la sensación de compartir su sufrimiento. La música que nos brinda son deseos fulminantes, emociones densas y sacudidas mágicas, una pura intensidad que se agarra a lo más hondo de tus instintos primarios, un sonido poderoso que hace que te agites, entrecortado por la emoción. (más…)

A finales de los años 80 Bruce Iglauer empieza a firmar contratos con artistas consagrados para mantener el crecimiento de su sello Alligator. 1990, estudios Music Annex de Menlo Park, en el área de San Francisco, California. Charlie Musselwhite es uno de los músicos elegidos y graba el primero de los tres álbumes que Alligator le editaría en la década de los 90, “Ace of Harps”. La banda que le acompaña está formada por Tommy Hill a la batería, Artis Joyce al bajo y Andrew Jones Jr. a la guitarra. En la trasera del disco y en letras grandes se podía leer: “This is the best band I’ve ever had – Charlie”. ¿Quién es Andrew Jones Jr.? No estamos hablando de uno de los grandes maestros de la guitarra de blues pero indudablemente la historia de esta música se escribe también con personajes que han estado trabajando mucho tiempo como sideman, absorbiendo las enseñanzas y los estilos de sus jefes de fila, hasta que en un momento de su carrera se sienten preparados para afrontar el reto de erigirse en líderes de su propia banda. Desde que tenía 16 años estuvo asociado a auténticas leyendas del blues y del soul tejanos como Freddie King, Bobby Patterson y Johnnie Taylor forjando de esa manera su propio estilo. (más…)

Está totalmente aceptado que la primera grabación de blues fue realizada en 1920 por Mamie Smith, una artista negra del vodevil, y a quien el sello Okeh llevó al estudio en el mes de febrero para grabar “You Can’t Keep A Good Man Down” aunque la canción que alcanzaría un gran éxito de ventas fue grabada en agosto con el título “Harlem Blues” y rebautizada como “Crazy Blues”. 800.000 copias vendidas a un dólar cada una alertaron a los ejecutivos de las compañías de discos del enorme potencial de las grabaciones de los artistas negros. Y así Columbia, Paramount y otras discográficas encontraron un filón con Alberta Hunter, Ma Rainey, Ida Cox o la emperatriz del blues Bessie Smith. El éxito de las cantantes clásicas femeninas dirigió los ojos de estos directivos hacia el sur y en 1923 comenzaron a realizarse las primeras grabaciones de campo. (más…)

Cuando Mingo Balaguer & The Blues Intruders se forma como cuarteto en 2002 ya había una larga experiencia detrás de cada uno de sus músicos. Discos, giras y permanencia en banda del calibre de Caledonia (todo un referente en el blues nacio (más…)

Foto de Ángel Marín

Montserrat Pratdesaba lleva casi veinte años dedicada en cuerpo y alma al blues, tanto en su faceta musical (compositora, guitarrista y poseedora de una maravillosa voz) como social, dando conferencias y realizando actividades solidarias y generosas en escuelas, universidad  y hospitales para acercar el blues a los niños y a los jóvenes. (más…)

Charlie Patton (Y no Charley como normalmente se le llama debido a un error muy extendido; al menos los contratos los firmaba como Charlie) podría ser una más de las muchas grandes figuras que recorrieron el delta cantando y grabando blues en las prolíficas décadas de los veinte y los treinta, otro bluesmen pionero a los que los músicos posteriores admiran, rinden tributo e imitan. Pero hay algo diferente, para empezar Patton fue uno de los intérpretes más admirado en su época, alguien al que muchos de los grandes deben lecciones y, sobre todo; reconocen como una de sus influencias. Nadie como él (salvo Blind Lemon Jefferson), tuvo tanta fama en vida ni fue tan considerado por los músicos de su época.  La diferencia es que a Blind Lemon  la vida le llevó a emigrar al norte donde gozó de una buena situación económica y de unas condiciones que le permitieron grabar y actuar en un entorno de privilegio. Charlie casi nunca salió del circuito de las fiestas campestres y de la miseria de las plantaciones. Con el paso de los años tampoco tuvo mejor suerte y otros intérpretes que se consideraban sus discípulos le pasaron de largo en la época de las reediciones, el descubrimiento de los viejos bluesmen y la forja de leyendas.  (más…)

El año 2011 será recordado en todo el mundo por celebrarse el centenario del nacimiento de Robert Johnson, conmemoración que está siendo acompañada de discos publicados como homenaje, algún festival en su honor, muchos escritos sobre la vida o el perfil del artista y bastantes entrevistas con personajes variopintos como Steven Johnson, nieto de RJ o David “Honeyboy” Edwards, ya cuasi centenario, único vestigio y memoria viva que tuvo contacto con él. Sin embargo quien seguirá permaneciendo en el anonimato es Richard “Hacksaw” Harney, músico a quien también conoció Edwards y sobre el que tres grandes guitarristas de blues como Robert Lockwood Junior, Big Joe Williams y Houston Stackhouse estaban de acuerdo; era de lo mejor que habían conocido. Tal vez los dos llegaron a tocar juntos y Johnson pudo haber tomado ideas de Harney.

Entre 1927 y 1930 Memphis había sido visitado por diferentes unidades de Okeh, Victor o Vocalion para hacer grabaciones de campo, permaneciendo durante varias semanas registrando a los músicos prolíficamente. Entre los artistas del Delta que fueron grabados se encontraban Tommy Johnson, Bukka White, Rubin Lacey y Kid Bailey con Willie Brown. También fue grabado el acordeonista Walter “Pat” Rhodes en 1927, cuyo “The Crowing Rooster” se convirtió en uno de los temas favoritos del Delta a pesar de que el acordeón no era un instrumento usual en el blues. Sus dos acompañantes a las guitarras fueron dos hermanos, “Pete & Can”, de nombres Maylon y Richard Harney. El segundo poseía una técnica envidiable, un rasgueo rápido y un buen estilo tocando fingerpickin’, encontrándose bastante alejado de la escuela de House o Patton, siendo contemplado por la mayoría de los músicos como el mejor guitarrista del Delta. “Honeyboy” Edwards lo cuenta de este modo: “”Hacksaw” Harney era afinador de pianos y recorría los caminos con la guitarra a la espalda y parando en las ciudades donde por 3 dólares afinaba los pianos que le encargaban. Además tocaba la guitarra en las fiestas. Cuando residía en Money, no muy alejado de Greenwood, en ocasiones se acercaba a Shaw, donde yo residía, y los dos junto con Tommy íbamos a un local donde servían whiskey y tocábamos la guitarra. Tommy pilló “Cross Cut Saw” de Hacksaw [en su biografía habla de los hermanos Moore, Andrew y Tommy quienes, sobre todo el primero,  eran muy buenos guitarristas. Cross Cut Saw Blues sería grabada en 1941 por Tommy McClenan aunque el autor original fue Harney]. Hacksaw sabía tocar cualquier tipo de música……Interpretaba piezas de ragtime y también tocaba un serrucho. Lo doblaba y lo tocaba con un arco”.

Houston Stackhouse, quien en una entrevista que le realizaron en 1976 mencionó a Earl Hooker como el mejor guitarrista que había escuchado en su vida, afirmó que en los años 30 el mejor era Hacksaw. Robert Lockwood, en otra entrevista hecha por Larry Hoffman, aseguró haber conocido a Hacksaw hacia 1936. En su opinión habría significado una gran influencia para RJ ya que tocaba la guitarra “pero que muy bien”. Era el único que podía competir con él. Lockwood volvió a coincidir en 1940 con Richard Harney en Helena, en el local de un tal Crawford, “Hole in the Wall” lo llamaban. El pianista Willie Love se encontraba en el garito y Hacksaw le pidió permiso para tocar. Willie le respondería algo así como que no le tocara las narices aunque por último Lockwood le convenció. A la postre Willie quedó sorprendido de cómo tocaba el piano, lo hacía igual de bien que la guitarra.

Richard Harney nació el 16 de julio de 1902 en Money, Mississippi. Se crió en Greenwood y en Marvel, Arkansas, con sus 8 hermanos y 2 hermanas. Su padre, de Alabama, había tenido una formación musical en su juventud y enseñó a sus hijos a tocar el violín, la mandolina, la guitarra y el piano. A pesar de ser muy religioso les había permitido tocar en las esquinas de las calles para que pudieran sacarse algo de calderilla, aunque en casa se lo tenía prohibido. Richard comenzó como músico callejero con 12 años acompañando a su hermano mayor Joe. El apodo “Hacksaw” (sierra pequeña para cortar metales) proviene de una muy breve carrera que desarrolló como boxeador. Parece que tocó también el contrabajo en una orquesta de jazz de Cincinati en los años 20. De regreso al Delta montó un dúo con su hermano Maylon y empezaron a ser conocidos como Pet & Can.

Stackhouse y Hacksaw Harney en Memphis, 1969. Cortesía de Adelphi Records http://www.adelphirecords.com

El 10 de diciembre de 1927 los dos hermanos grabaron para Columbia, en Memphis, como acompañantes de Walter Rhodes y dos días después se encontraron en la esquina de una calle a la cantante Pearl Dickson que estaba atravesando una mala racha. Fueron en busca del caza talentos de la compañía y le pidieron que les grabara y de ese modo registraron otros dos temas con Pearl, “Twelve Pound Daddy” y “Little Rock Blues”. Su padre les había advertido sobre los peligros de la música del diablo y el tiempo vino a darle la razón ya que Maylon fue acuchillado a la salida de un juke joint antes de que los dos hubieran podido alcanzar merecido reconocimiento. Cuando le preguntaron a Richard qué hizo entonces al encontrarse sin su compañero musical, respondió que tuvo que aprender a tocar por los dos. Uno de los principales impedimentos para que, seguramente, hubiera podido desarrollar una importante carrera musical no fue sólo su tremenda timidez, sino también su ceceo. Los músicos le ridiculizaban por ese defecto pero en cuanto le permitían tocar quedaban extasiados. Si hubiera tenido el temperamento de Earl Hooker quien no se amilanaba a pesar de su profunda tartamudez, no habría permanecido como un oscuro músico a pesar de su sorprendente técnica. Sus guitarristas favoritos eran Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake que también tocaba piano. Su vida se redujo a trasladarse de una ciudad a otra, reparando y afinando pianos y manteniendo un circuito reducido a través de Memphis y un área en el Delta comprendida entre Clarksdale y Jackson. Harney iba siempre bien arreglado y transportando las herramientas de trabajo en un pequeño maletín de color negro en el que rezaba la siguiente inscripción “Se afinan pianos”.

En 1969 Gene Rosenthal fundaría en Maryland, junto con un grupo de jóvenes entusiastas del blues de pre-guerra, Adelphi Records. Rosenthal había sido el ingeniero de la sesión de 1964 que se realizó a Skip James para Takoma y que sería publicada con el título “She Lyin’” para el sello Genes. En el verano de 1969 el grupo de gente de Adelphi con el mejor equipo de audio y filmación que consiguieron iniciaron una serie de peregrinaciones por diversas mecas del blues. El primer alto en el periplo fue en Memphis durante la celebración en el mes de junio del Memphis Country Blues Festival que fue filmado y grabado en estéreo. En agosto decidieron, partiendo de Chicago, encaminarse a Saint Louis, Memphis de nuevo y el Delta para capturar en imágenes y en audio al mayor número posible de intérpretes de country blues. El personaje escogido como guía y cazatalentos fue Big Joe Williams. Después de cada sesión y tras alabar la interpretación del artista, Williams decía “Aún no habéis escuchado nada. Ya veréis cuando encontremos a Hacksaw.” En Saint Louis estuvieron con Henry Townsend y Williams repetía la misma cantilena. En cada plaza encontraban algún músico sobresaliente y de nuevo la misma canción “Sí, es bueno, pero Hacksaw le deja en mantillas en un minuto”. Y esto lo decía el músico más celoso del mundo en el plano musical [recomiendo la lectura de la autobiografía de Yank Rachell, “Blues Mandolin Man” dictada a Richard Congress- University Press of Mississippi]. A Hacksaw no lograban localizarle hasta que de regreso y al parar en Memphis lo encontraron ya sin Big Joe. Continuaba trabajando de afinador de pianos. En este primer encuentro lo filmaron; el equipo de Adelphi se encontraba junto con más invitados en una habitación, entonces un hombre negro, mayor, tímido, pidió prestada una guitarra y comenzó a tocar una canción bastante compleja. Cuando finalizó un silencio sepulcral invadía la sala. Un miembro del equipo le preguntó el título de la pieza. “Sweet Man”, pero llevo 20 años sin tocar la guitarra, antes solía ser bueno.” Parte del material de esas grabaciones informales aparecieron en 1971 como parte de un doble recopilatorio de Adelphi, “Memphis Blues Again”. En agosto ya le habían encontrado actuaciones y participó en la trigésimo tercera edición del National Folk Smithsonian Institution, en el River City Blues Festival y en el Ellis Auditorium de Memphis. Por esas fechas fue cuando sufrió un derrame cerebral no demasiado grave que no le impidió hacer alguna gira a principios de 1972 con su viejo amigo Houston Stackhouse, llamándose “Hack ‘n’ Stack”, actuando en las universidades de Illinois, Massachusetts y New York.

En Febrero de ese año grabaría el disco “Sweet Man”. La sorprendente complejidad de lo que intenta aquí es digna de admiración a pesar de haber sufrido ese percance unos 3 meses antes de la grabación. La interrupción de 20 años en su interpretación quitó lustre y brillo a su técnica pero no a su diversidad y riqueza musical. Tres temas estilo preguerra, “Ragtime Blues”, “Laughing Pallet” y “Home Skin Ball”, la pieza “12 Pound Rag # 12” que sugiere un estilo similar al del uso de la mandolina, el “Sweet Man” y un impresionante “Oh Red” en el que canta. Era un hombre que confesaba no saber cantar y que su hermano Maylon era mejor que él. Aprovechando esa sesión también grabarían a Houston Stackhouse en un disco titulado “Cryin’ Won’t Help You” en el que colaboró Harney de segundo guitarrista.

Su salud empezó a declinar limitando sus apariciones hasta que el día de Navidad de 1973 falleció Richard “Hacksaw” Harney, un hombre que desde su timidez hacía sombra a todos los demás, un músico casi desconocido, un guitarrista que prácticamente podía tocar cualquier cosa.

Cuando se quiere hablar de ciertos músicos de preguerra los estudiosos del blues se encuentran la gran mayoría de las veces con una falta de información muy importante. Está el caso de Charley Patton sobre quien Stephen Calt y Gayle Wardlow escribieron “King of the Delta Blues: The Life and Music of Charlie Patton” dando información sobre la época y colegas contemporáneos del músico o de Robert Johnson, del que se ha escrito hasta lo que no es cierto para seguir engordando la leyenda. Para el aficionado al blues al menos estos nombres le suenan e incluso ha escuchado su música, al igual que si mencionamos a Son House o Blind Boy Fuller. Pero si mentamos, por ejemplo, a Kokomo Arnold o Josh White igual nos topamos con la sorpresa de un mayor desconocimiento del esperado. Así que no digo nada si nos aventuramos a citar de pasada a Casey Bill Weldon, conocido como “The Hawaiian Guitar Wizard” “El mago de la guitarra hawaiana”, de la “steel guitar”, máxime si para los estudiosos de los que hablaba al principio Weldon permanece como uno de los grandes misterios del blues. (más…)

"Whisky" David - La Coquette

Nos acaba de comunicar Ñaco Goñi la triste noticia del fallecimiento del organista escocés “Whisky” David, un pionero del blues en nuestro país desde que en el año 1966 llegara a Madrid en una furgoneta desde Escocia.

“Whisky” David Waterstone había nacido en un pueblecito escocés el 15 de marzo de 1944. En su tierra le pilló de lleno el boom del “british blues” y aunque no pasó mucho tiempo en las islas llegó a estar asociado con Rod Mayall, hermano de John, y que también vendría a España donde fundaría el grupo “Los Buenos”. Whisky David formó parte de la banda de Miguel Ríos, trabajó con Miki y Los Tonys y se asoció con diversos músicos, que al menos sabían las cuatro reglas del blues, para tocar con ellos. En esos años él no recordaba que hubiera ninguna banda dedicada exclusivamente a esta música, formando la suya y que bautizó como “Los Shakers”. (más…)

Debió de ser un chulo, un tío echado “palante”, un hombre de pueblo en la gran ciudad donde sus sueños se hicieron realidad. Fue el primero en la banda de Muddy Waters en empezar a vestir moderno, el cabello a la moda afro aunque en las fotos casi siempre aparezca con muy poco pelo o ninguno, una gafas de sol pequeñas y una gran visera, demostrando el orgullo de ser negro. Alguien especial con una voz tremendamente rural, fuerte y potente que permitía imaginarle como un posible sucesor de Muddy. Con él estuvo entre 1966 y 1970 y siempre se recordará más al otro Lutero, a Luther “Guitar Junior” Johnson que se incorporó en 1973. Sus apodos fueron varios, “Georgia Boy”, “Creepin’ Snake”, “Snake Boy”, “Georgia-Boy Snake” y “Snake Mouth“, precedidos del nombre Luther aunque verdaderamente se llamaba Lucius Brinson Johnson. (más…)

Quizás Lacy Gibson no haya sido demasiado conocido entre los aficionados aunque seguro que muchos lo habéis escuchado, sin recordar que estaba, en el disco de Son Seals “Live and Burning”.  Además tocó y/o grabó con Jimmy Reed, Earl Hooker, Junior Wells, Buddy Guy, Willie Dixon, Otis Rush, Willie Mabon e incluso acompañó a músicos de jazz de la talla de Duke Ellington o Count Basie . Era un guitarrista versátil, llamativo y con una voz apasionada. No hay más que escuchar “Easy Woman” recogida en el disco “Switchy Titchy”

El 1 de mayo de 1936 nació Lacy Gibson en Salisbury, Carolina del Norte. La familia decidió alejarse de su lugar natal y después de recorrer parte del sudeste de su país acabaron en Chicago en 1949. (más…)

A estas alturas del siglo XXI, Robert Johnson ya no es sólo un músico genial del que conocemos veintinueve canciones y dos fotografías. Con el paso de los años y desde su descubrimiento en los sesenta, se ha convertido en una leyenda que roza la categoría de mito y ofrece la oportunidad de aumentar las cuentas corrientes de algunos, la publicidad de otros que “supuestamente” le conocieron o “han descubierto” nuevos y reveladores datos en su biografía, el lanzamiento y marketing de algunos más que afirman formar parte de su descendencia y los ingresos turísticos de unos cuantos centros y localidades que tuvieron –o no- alguna importancia en su corta vida. (más…)

La última noticia que ha llegado por e-mail del Blues Newsletter de Bob Corritore nos informa del fallecimiento, hoy 14 de marzo de 2001, de BIG JACK JOHNSON en su casa de Clarksdale, Mississippi, tras una larga enfermedad. Su asociación con The Jelly Roll Kings en 1962 supondría su despegue musical. Cuñado de Big George Brock y tío de Super Chikan, guitarrista incisivo y también gran intérprete de la mandolina, estuvo un largo paréntesis de casi 7 años sin grabar, publicando en 2008 el album “Katrina” para Big Jack Music, grabado en Columbia, Pennsylvania. Este último album fue consecuencia de su cansancio hacia ejecutivos y managers que le aconsejaban sobre qué tocar y no tocar. Jack Johnson decía que “las canciones deberían enseñar cosas a la gente, informar de lo que está pasando. Estoy ya cansado de “I love my baby, she’s sweet as she can be”, contadme lo que sucede en el mundo….Eso es lo que intento, contar algo que quizás la gente no sepa”. En mayo de 2009 hice un programa especial dedicado a Big Jack Johnson y publiqué en mi blog una breve biografía de su carrera musical. Eso es lo que dejo para quien esté interesado en leerlo. Siento cierta tristeza porque se ha ido un músico de blues totalmente auténtico. Descanse en paz. (más…)

“¡Que tenemos que hablar de muchas cosas, compañero del alma…!”

Me entero ahora por la Red de que ha fallecido un buen amigo que conocí a mediados de los 80, el armonicista sevillano Rafael “Rufus” Barbudo, un tipo auténtico y apasionado con el que compartí momentos inolvidables en cuatro ciudades diferentes. Un amigo que no sólo no voy a olvidar, sino cuyo recuerdo me veo en la obligación de refrescar y compartir. Me llega la triste noticia, precisamente, por la maldita Red, donde da la casualidad de que había intentado localizarle, sin ningún éxito, desde hace varios años. Peor aún: me entero ahora (¡ahora!) de que disponía de varias páginas propias y blogs donde podría haber contactado con él de haberlo sabido antes. Ni siquiera he podido acudir a su entierro, porque la noticia me ha llegado con casi una semana de retraso y, además, me ha pillado inmovilizado en casa con escayola y muletas.