Negro, robusto, potente y suave de manejar: el sueño de toda mujer blanca americana.   Si estabais pensando en un coche habéis acertado, si no, sois unos pervertidos incurables. El presente artículo girará sobre este tema, sobre coches, no sobre pervertidos, aunque en muchos puntos, se cruzarán los caminos de ambos.

Así, por el morro, comienza Héctor Martínez su nuevo gran artículo. Héctor encuentra los motivos más variopintos para hablar de blues, coches, magia negra… ¡lo que sea! y lo mejor es que ¡hay blues!

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Bill Steber is a graduate of Middle Tennessee State University with degrees in English and Photography. He has worked at the Tennessean newspaper in Nashville as a staff photographer since 1989, where he has won over thirty regional and national photojournalism awards. His documentary work has been exhibited widely throughout the South. In 1997, Steber was awarded an Alicia Patterson Foundation grant to continue a project documenting Blues Culture in Mississippi that he started in 1993. The grant was for one year and during that time Steber was on sabbatical from the Tennessean. The project combines portraits of blues musicians playing at home and in clubs with images that describe what remains of the rural African-American culture that gave rise to the blues. Examples include, juke joints, cotton farming, sacred music, rural church services, river baptisms, folk religion and superstition, life on Parchman penitentiary, hill country African fife and drum music, and diverse regional blues styles. In addition, Steber is combining these images with field interviews that put the photographs in an historical perspective.

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1- How did you start your career as a photographer?

I got my first camera about age nine or ten from my father who was a serious amateur photographer. Although I shot photos for my high school newspaper and yearbook, I never considered photography as a career. Then in a class in college, I discovered the great street photographers like Robert Frank, Garry Winogrand, Henri Cartier-Bresson and so many others. From that moment the direction of my life changed and I knew I had to do documentary photography. With no real photojournalism experience, I started freelancing for the Tennessean, the morning daily newspaper in Nashville where my grandfather and great-grandfather had worked for much of the 20th century. I eventually worked my way into a full time job and stayed there fifteen years until going out on my own in 2004.
2- Few people have taken such a deep dive into the cultural roots of a music style the way you have. Photographing the blues culture in Mississippi was a risky bet for a photojournalist. What was the motivation to make this move?

Ha! You make it sound so serious! Actually the motivation had more to do with music than photography. Music is my passion – it’s how I engage with and understand the world. I live my life to a constant soundtrack and every creative act I ever do is with music in mind.
The blues project started quite accidentally. I was on assignment in Mississippi and hijacked the writer to drive through the Delta on our way home. Although I had a passion for blues, I had never visited the there. We stopped in Leland, MS because I wanted to meet Son Thomas.
When I walked into his shotgun house, there was a full-sized sculpture of a dead woman in a wooden casket in his front room and a clay skull with human teeth on a shelf (Son was not only a great bluesman, but an important folk artist). He was sitting on his bed, hunched over and holding aloft a lit cigarette that he hadn’t smoked and the ash was bending in a 2-inch arch. I was mesmerized by the entire scene.

He played some wonderful songs for me and I played some harmonica with him and took some pictures of him with the casket. I couldn’t wait to come back.

When I returned 6 months later, Son was already in the hospital dying of a brain tumor. That first realization that this wonderful music culture was rapidly changing lit a fire in me and I started making regular trips to Mississippi, building and expanding the project. I thought I would finish in about a year. That was 1992. Here I am 18 yrs. later with no end in sight.
3- How did you get in touch with the people you portrayed?

Networking. Word of mouth. Being curious. Jim O’Neal (founder of Living Blues magazine and Rooster Records) was extremely helpful in helping me get started. He was living in Clarksdale at the time and got me in contact with some of my first artists. From there I learned more and more, meeting new artists and actually discovering a few for the first time. I would sometimes hear rumors of musicians that lived in certain towns and I would just drive there and start asking around – sometimes without even knowing their name. For instance, someone told me they heard of a musician in Coffeeville, MS that would play on his porch every Sunday, so I went there and started asking around.

Local folks led me to Charles “Cadillac” Caldwell and he was great! I made some portraits of him, interviewed him, played music with him, hung out, had dinner with his family. One of the portraits I made got published in Oxford American magazine’s annual music issue, where it was seen by the owners of Fat Possum records in nearby Oxford, MS, who hadn’t heard of Charles despite the fact that were in the neighboring town. Charles Caldwell recorded an album of great blues for Fat Possum, but unfortunately he died from cancer before the album was released.

One of the things I try to do is to stay in touch with as many artists as I can and visit them whenever I’m in Mississippi. Sometimes I get the best photo of them at the first meeting, sometimes it takes years of repeat visits to get a photo that I think is deserving of them. The first time I always visit as a professional and a stranger. All subsequent visits are as a friend.

4- Your photographs span a good number of years. How did you manage to come and go there for so long? What was your day-to-day like while on one of those trips?

My first trip was in 1992, but by 1994 I realized that this was going to take a long time to accomplish what I wanted to capture, so I began using all my vacation time, long weekends and even unpaid leave from the newspaper to travel to Mississippi. When my wife and I first got together in 1990, we went to Europe on vacation. In 1991 we went to China, followed by Spain in 1992. She likes to say that she didn’t get to travel out of the country anymore for the next 13 years because I had discovered Mississippi, and she’s right! Since that first trip in 1992, I’ve travelled to the Magnolia State 120 times, with no sign of stopping. But with more flexible time since leaving the newspaper in 2004, we’ve been to Europe twice, Japan and Costa Rica, so all is forgiven.

As far as what my day to day life in Mississippi was like in the beginning, I always went with a long list of specific goals on each trip, which would often be thrown out as soon as I got to the Delta. You see, I discovered something called “Mississippi Time,” which is like the theory of relativity, except that it is ALWAYS slower and more unpredictable than time anywhere else. Just because an event is SUPPOSED to happen, doesn’t mean it will. But very often, something else completely unexpected would happen instead that was better than the original plan, so you have to be able to go with the flow and enjoy the surprise. Through travel to Mississippi I learned to have faith in serendipity. My best pictures always came as a gift and a surprise to me from unplanned moments that I was lucky enough to witness and capture. But that only happens by spending a lot of time somewhere and being willing to change your pre-conceived expectations, which is sometimes hard to do.

5- You wrote ten years ago that the juke joints were dying. Has that death finally been certified or have they managed to get back to life?

They say that the death of the blues is declared in every generation, and now I can understand why. When I began my quest for the genuine Mississippi blues almost 20 yrs. ago I got a lot of discouragement from people that had been doing documentary work before me. “It’s all gone-all the best people are dead, the music is not as good, the places aren’t as good” they said. Well, maybe, but there was enough people and music left for me to be excited. I wanted to dive in head first, and thankfully, I ignored them and went on with my project.

But over the years, many of my good friends in the blues world have died, my favorite juke joints have closed or burned down, the older traditions are changing or dying out. So here I am all these years later trying not to say the same things as I see the children of the older musicians carrying on the music of their fathers, but further removed from the rural, acoustic roots of the music. I photographed the last living survivors of the earliest generation to record, the last practitioners of traditional cotton farming practices, the last living folks with memories of the birth of Delta blues culture, but that doesn’t mean the culture is dead. It’s just in constant change, and those of us who chase the ghosts of the past are threatened and depressed by too much change. But the culture lives on. As long as there are musicians playing this music, there will be somewhere for them to play. So the Juke Joints will live on in some capacity.

6- We’ve perceived Mississippi as a depressed, impoverished area. Small towns look semi-abandoned and even bigger ones like Clarksdale leave a general impression of better times long gone. Is there a light at the end of the tunnel? What would it take to reactivate the area?

To tell you the truth, the prospects are pretty bleak for the economic survival of many small towns in near future, but that problem is not unique to Mississippi, (although the state has been particularly hard hit.) Ironically, it was the loosening of the oppressive Jim Crow laws and the expansion of opportunity that started the downfall of many towns in Mississippi. Before WWII, the Mississippi Delta had one of the highest concentrations of African-Americans in the country because of the need for Black agricultural labor in producing and harvesting cotton by hand. Despite the oppressive nature of share-cropping, it was still better than most other economic opportunities to blacks in the South. With the invention of the mechanized cotton-picker and the opening of job opportunities in Northern cities following WWII, African-Americans through-out the South, and in Mississippi in particular, began leaving in droves for jobs in the North and West. When Jim Crow laws were lifted starting in the 1960′s, blacks suddenly had the opportunity to shop in stores and restaurants outside the black-owned business districts, so much of the black-owned businesses failed or were sold. There are towns in the Mississippi Delta that once had residents in the tens of thousands that now have populations in the hundreds. Many small towns have only a handful of stores, or none at all, where once were thriving business districts.

Clarksdale has been particularly aggressive about luring new residents and new businesses, with some degree of success, but this struggle is being felt all across America’s heartland and the current economic hard times and high unemployment are making recovery even more difficult. If there is an upside, the creation of new culture, musical forms and great vernacular art almost always come from areas of great poverty where people can’t afford to pay for their own amusement and must therefore rely on their own creativity for their entertainment. The human spirit is resilient and the blues is one of the most beautiful manifestations of that resilience.

7- They say anyone can take a picture now thanks to all the technological advances, but both amateurs and pros know that there’s more to a photograph than just shooting and downloading to a computer. What would you say defines a good photographer?

The thing that defines any good artist is a voracious curiosity and passion for discovery and play and a tenacity to keep working despite failure. Even the great hitters in baseball fail 70% of the time. All art is problem-solving. Writers, painters, photographers, dancers, musicians, anyone doing anything creative starts with the challenge of how to communicate an idea, a feeling, an emotion using tools, objects, voices, bodies, minds, that are often stubbornly uncooperative in the effort.

So new paths of discovery must be forged through sheer force of will, surrendering to passions both positive and negative, years of grueling practice, blind luck, lots of failure, and most importantly, an endless need to keep creating, discovering, and engaging with the world around you and the creative process.

The reason I chose photography for my form of expression is because, in many ways, it has the most limitations. Writers, painters, musical composers all have to face the dreaded blank page. In photography, it all boils down to 2 decisions: what do you put in the frame and when do you capture the moment? Everything else flows from those 2 basic decisions. To me, having limitations was liberating since I have a difficult time making decisions when confronted with too many options. Also, documentary photography allowed me to explore my creativity in a way that forced me to actively engage with the outside world in ways that writing and drawing didn’t. Every photograph is a collaborative exercise with the world outside of yourself. And like water, you find that you have an easier path if you can avoid too much resistance. What’s the difference between a writer and a typist? One of them has something to say and the other just copies. Someone once told me I took really good pictures and they wanted to get a camera like mine. At the risk of sounding arrogant, that’s like buying a Stratocaster and expecting to immediately play like Eric Clapton or Jimi Hendrix. The camera is just like any other tool. It’s not going to do the work by itself.

8- What photographers have influenced or inspired you?

There are too many to mention, but I’ll list a few that I’ve learned from, stolen from, bargained with and ultimately made my peace with. The greatest music photographer of all time is Herman Leonard, whom I value as a friend and mentor. (I’m glad he hasn’t sued me for stealing all his lighting ideas!). Some photographers who changed my life early on and made me want to become a photographer include Garry Winogrand, Emmett Gowin, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Eugene Richards, Walker Evans, Josef Koudelka, Diane Arbus, Sebastiao Salgado, Edward Weston, Arthur Tress, Ralph Eugene Meatyard, all the photographers of the FSA, Elliott Erwitt, Gilles Peress, Bruce Davidson, W. Eugene Smith, Arnold Newman, and so many others. I love the photographs of the South by William Christenberry, Sally Mann and Birney Imes. I’d also like to give a special mention to Life Magazine photographer Ed Clark, who was a close friend to my family and was a special friend and mentor to me in his last years of life.

9- What’s the first thing you look at in a photograph took by someone else?

The great songwriter Townes Van Zandt one said “There’s two kinds of music, the Blues and Zip a De Doo Dah.” What he meant by that was not literally “the blues,” but rather, music of substance and meaning – something real, vital – versus, cotton candy fluff, pure spun sugar. I think you can extend that comparison to just about any creative effort and photography is no different. I have a lot of respect for any photograph, even if I don’t personally like it, if it has soul, integrity. If it is about something-anything, rather than about the process itself. What I mean by that is that in the past 30 years or so, so much of the photography celebrated in the art world is not really about photography – that is to say, the camera is almost incidental to creation of the artwork. That’s not to say that “process art” – or “conceptual art” that lacks content, is not legitimate art. But photographs don’t move me personally unless they have humanity. That humanity can be expressed in the pose of a model photographed by Irving Penn, shape of a pepper still life photographed by Edward Weston, or the grief-stricken eyes of a war victim photographed by James Nachtwey – just so long as there is a human connection and some sort of content that speaks to our collective humanity.

10- Does a good photo come out just by chance at any session or is it something you look for deliberately and meticulously?

All great photographs are the result of luck. But the harder you work, the luckier you get.

11- Do you have one special/favourite photo in your collection? Which one would it be, and why?

If you ask any creative person to pick their favorite work, they’ll tell you it’s like picking their favorite child – it’s impossible. That said, there are a few I am particularly and consistently fond of. One of my favorites is entitled “Bird, Stoval, MS” and it depicts a dead, partially plucked bird, being held out in the hands of a young woman standing at the edge of a cotton field. Her dark fingers are covered in a thin layer of rich Delta topsoil and all you can see of her face is a ripe, full mouth and smooth cheeks. The rough, dead skin of the bird is contrasted with the beautiful skin of the young girl – a study in life and death, beauty and ugliness, the sublime and the grotesque. It sums up how I feel about the blues – something of joy and beauty born of out misery and pain-an unflinching and raw art form that finds pathos and affirmation in the expression of it’s own suffering.

12- Could you tell us any story or anecdote you specially remember from your experience in Mississippi?

Well, most of my good stories all involve the great Mississippi Hill Country singer and guitarist Jessie Mae Hemphill. Should I tell the one about the time I took her to Columbus, MS looking for a Hoodoo Doctor to cure her? Or watching TV in her house trailer when the OJ Simpson verdict came down? Or the time a loaded gun nearly fell out of her purse at the check-out counter at Walmart? Or the time she fired that gun over my head when I was in her yard investigating a strange noise?

Jessie Mae and handguns go way back. She once told me about when she was 9 yrs. old and a teenage boy at her school used to flirt with her – play with her hair – and she thought he was her boyfriend. That is, until one day he came walking on the road in front of her house with another girl. Jessie Mae went and got her mother’s gun from beneath the pillow and went on the porch and started shooting at them. But she didn’t hit either one because she didn’t know how to lead the gun as they ran. She laughed as she told me, “By the time the bullet got there, they had already run to the next place. But he lost his hat. And that girl lost her shoe! I tell you I was a gangster when I was a little girl!” Jessie Mae replaced the bullets in the gun and cleaned it with ashes from the fireplace and placed it back under her mother’s pillow. The next day she knew that the girl’s mother would be out in the field picking cotton with her mother, so she was worried about getting caught when the woman confronted her mother. Jessie Mae went out picking cotton with her mother the next morning, putting the cotton in a pillowcase she carried, listening to the women talk. The woman told Jessie Mae’s mother that Jessie Mae had tried to shoot her daughter the day before, “But God must have blowed something in my Momma’s ears that day,” said Jessie Mae, “Cause my mother didn’t hear anything that woman said. She didn’t understand that she was telling the truth. Momma told her, ‘Yeah, children will do that.’ If my Momma would have understood what that woman was trying to tell her, she would have killed me!”

13- Digital retouch: for or against?

For artistic or commercial purposes, anything goes. But if the image is for documentary purposes, the rule of thumb for me is that you shouldn’t do anything on the computer that you can’t do while printing in the darkroom. Now, of course, we have a whole generation of photographers that have never even seen a darkroom, so all bets are off for them I guess. But you know, I don’t worry about digital retouching. You can’t create content on the computer. Not the real thing anyway. In the end, a real photograph will always beat a digitally-enhanced imposter just like a real singer with some human imperfection will always be recognized as better than a bad singer made perfect electronically. You may not always see the difference at first, but you can feel it in your gut. It’s the same with music. That’s the reason that music from before the digital era will always endure and much of what’s being created now will be completely forgotten in a short time.

14- We know you have other skills, namely musical. What’s your current situation there?

When I left the newspaper in 2004, I decided to start pursuing some of the things I always wanted to do once I had the time. I started playing old blues and hillbilly tunes with my old friend and former philosophy professor from college. Three of his current students joined in and soon we had a jug band called the Jake Leg Stompers that played every Friday night at a local coffee shop. From there we went on to bigger clubs, and music festivals and some TV appearances. Now 5 yrs. on, we are releasing our 3rd album called “Hill Country Hoodoo,” which was produced by Jimbo Mathus, founder of the Squirrel Nut Zippers. We were also fortunate enough to have my friend Luther Dickinson of the North Mississippi AllStars play and sing on a couple of tracks, as well as the Rising Star Fife and Drum Band (Otha Turner’s grandkids), Rev. John Wilkins (son of bluesman Robert Wilkins). Jimbo Mathus sings lead on a couple of tunes. The album is a jug band all-star tribute to the music of the Mississippi Hill Country, with a 24 page color booklet that has some of my unpublished photos and artifacts I’ve collected in Mississippi over the years.

I’m also playing in a group called the Jericho Road Show with Steve Gardner, a former Mississippian and great blues photographer who lives in Tokyo, and Washboard Chaz of New Orleans. (Chaz was recently featured in the great “Playing for Change” project that has musicians from all over the world playing together on classic pop, soul and reggae tunes). In 2009, we had the opportunity to open the Vienna Blues Festival in Austria, and in Feb. of 2009 I went on a tour in Japan with Steve Gardner. After years of mostly listening and observing this music as it lives in the places it was formed, I now have the opportunity to share my version of some of it with others at home and abroad, which is very exciting for me.

15- Do you always carry around your camera and your musical instruments?

Believe it or not, since I left the newspaper I’m more likely to take an everyday photo with my iphone rather than lugging a film camera around! But I always have a guitar, ukulele and some harmonicas in the car in case there’s an opportunity to jam!

16- You know we amateur photographers tend to be a little geekheads, so we’d like to know: what’s your usual rig when you’re out on a field trip?

For most paying jobs these days I use a Canon 5D digital 35mm camera. But when I’m doing field work for myself, I use a Hasselblad C/M with a 50mm lens and Tri-X black and white film. I have 3 other lenses for the Blad, but mostly I stick with the 50. For lighting I mostly use 200W Lumedyne battery-powered heads that I trigger with Quantum radio slaves, but I also have a host of White Lightning strobe units for when I have access to electricity.

When I’m working in a juke joint, most of the time I’ll point a strobe head with reflector on a stand directly at the performers at a 45 degree angle to the right or left from my shooting position and use a second Lumedyne strobe mounted to a camera bracket which I point directly overhead or slightly behind me that I bounce off the ceiling for fill light. For me, the goal is not to make a big deal about the lighting, but rather, to try and boost the kind of the light that’s already there. I can hand-hold a 35mm with virtually no light in the room, but the Hasselblad is not as forgiving, so I just think to myself “What would Herman Leonard do?” and go from there.

17- You’ve been defined as a photographer who’s able to capture the essence of the blues in your photos, and now we wonder, what kind of blues captures your soul?

Like Walt Whitman said, “I am large, I contain multitudes.” I have a voracious appetite for not only blues, but all kinds of great music, just so long that it has soul and humanity. I could never imagine a world without music. At least, not a world that I would want to live in. I listen to music from Cuba and Africa (like Buena Vista Social Club, Tinariwen, Orchestra Baobab), Songwriters like Tom Waits, Neil Young, Randy Newman, Dylan, Daniel Johnston, Steve Earle. Retro-roots bands like the Squirrel Nut Zippers, R. Crumb and his Cheap Suit Serenaders, Leon Redbone, Asylum Street Spankers. Jazz and Country music up to about 1965 or so. Old Hillbilly, Pop and Ragtime, Gypsy Jazz and Hawaiian music from the 1910′s, 20′s and 30′s. Even contemporary stuff like the Flaming Lips, the Eels, White Stripes. If I start listing everything, it would take up too much space. I have about 60,000 songs on my home computer, not counting all the vinyl and 78′s I play on turntables. I can say that the only music I DON’T ever listen to is pop music from the 80′s, which I had to endure in my high school and college years. That’s the reason I found the blues to begin with.

18- Favorite blues artists?

In general I prefer the earliest blues recordings before the mid-30’s for sheer vitality and creative energy. Blind Willie Johnson’s “Dark Was the Night, Cold was the Ground” is the best 3 minutes of recorded music, ever. Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Robert Wilkins, Memphis Jug Band, Skip James, Blind Blake, Memphis Minnie, Mississippi Sheiks and Mississippi John Hurt are just a few artists that, for me, define the high water mark of early blues period. By 1935 or so, the bigger labels like Bluebird and Vocalion started cranking out the copycat sound that became the blues stereotype that endures today.

There are exceptions, of course, Robert Johnson, Dan Pickett and Tommy McClennon being just a few examples of great pre-war blues after 1935. In the post-war era, I love Muddy Waters, Robert Nighthawk, Howling Wolf, Sonny Boy Williamson II, John Lee Hooker and all the Chess-era artists.

19-Do you think the blues lives a healthy life right now?

It comes and goes. All traditional musics go through identity crises from time to time and blues is no different. Sure, much of what passes for “blues” is little more that what I call “Sports Bar Blues”-or lame, blues-inspired rock and roll designed to push beer sales. The big danger for any art form is that it becomes stagnant and predictable and ends it’s life as music you hear on the phone while waiting on hold. Many people think that’s already happened to blues long ago, and to a certain extent, they may be right. The blues that many of us love was largely abandoned by the communities that created it by the mid-60’s, but I think there are great artists keeping the older black music forms alive – like Alvin Youngblood Hart, Corey Harris, and the Carolina Chocolate Drops. I thought last fall’s album by Geoff Muldaur’s Texas Sheiks was as good a blues revival album as any I’ve ever heard. And all across America, young African-American musicians are re-discovering the older music more and more. In March there’s going to be a second Black Banjo Gathering in Boone, NC, which is a movement to encourage black artists to re-capture a musical form that they invented and then abandoned in the early 20th century in favor of newer forms.

20- Was your deep-dive into the blues roots such an intense experience as to say that it changed your life?

Absolutely. A profoundly positive and enriching, life-changing experience. I am an extremely lucky man. I’ve met several artists in the traditional blues community that I would consider not only friends but mentors, and I am forever changed because of their generosity in sharing their insights and music with me.

21- What would you advise the readers who are now thinking about getting into concert and music photography?

Any kind of media photography right now is extremely difficult. There have never been more outlets for photography than there are right now and there are few times when it’s been harder to make a living as a photographer. The main problem with trying to follow the economic models of the past is that newspapers and magazines are under strain from competition from the internet and no longer have the budgets or staffs they once did. The other major income source for music photography has been the record labels, and they are under even more strain as the industry is in the process of contracting. The main problem is supply and demand. Concert photography has never been very lucrative for most photographers simply because there are always more people interested in shooting than there are paying jobs available, so that suppresses wages. It may have been different in the 60’s and 70’s, but now everyone has a camera and access is very limited, so it’s hard to compete. To be honest, documentary music photography is something I do for love rather than money. Despite selling exhibition prints of my work to collectors and being published in magazines, over the years I’ve probably spent more on my project than I’ve earned. And that’s OK with me. I never did it for the money anyway. That said, I still make a living by shooting mostly music-related work, all of which I really enjoy.

22- When will we see you around Spain? There’s a number of good blues fests and a lot of passion for the genre here.

I look forward to both photographing and playing music in Spain.

When I visited Spain in 1992, I found it to be one of the friendliest country I’ve ever been too. The people were so beautiful and generous, I’ve rarely felt more at home in a foreign land. As a photographer, I love to photograph people wherever in the world I go, and so far, Spain is the only place I’ve ever been where I was never once refused to make a photo when I asked permission. Not once.

Once I was photographing an overlook in Montoro and a lady invited me into her home to get a better view from her balcony. As I was leaving she insisted on giving me home-canned food and fresh eggs and a beautiful string of peppers and I had to leave before she gave me everything in her kitchen! She then told me if I ever needed a place to stay, I could come and live with her and her son. This is what I remember about Spain. A beautiful and generous land.

This past March when I was playing in Berlin, I got to know a couple of great Spanish musicians: brothers Marcos Coll and Adrian Costa who record under the name Los Reyes Del K.O. I was impressed by how much they had absorbed and understood American blues traditions and their incredible musical skills and sensitivity. I saw them perform at a club and played with them at the home of the great German blues piano player Chris Rannenberg. Like their Spanish brethren, I found them to be very warm and engaging performers and we became friends. I would very much love to return to Spain for more blues (and paella!).

23- What are you up to now? Any projects in mind or in process?

I still make several trips a year to Mississippi to add to the project, but the main thrust of that work is winding down. For the past couple of years I’ve been transitioning the focus of my personal work to 19th century collodion wet plate photography. I shoot mostly 8×10 tintypes, but also some ambrotypes and glass negatives that I hope to start printing soon, as I’m re-furbishing an old 8×10 enlarger from the 1930’s. I’ve got a couple of view cameras and brass lenses from around the turn of the 20th Century that produce really beautiful images. I’ve done some musician portraits in Mississippi and North Carolina, but I’m experimenting with several subjects simultaneously to see which direction I might want to go for an extended project. I’ve been invited by my friend Dom Flemons of the Carolina Chocolate Drops to bring the wet plate gear to North Carolina for the Black Banjo Gathering in late March, so I’m hoping to get some nice images there. I still feel like I’m in the learning stages with this process – it’s very difficult and labor-intensive, but I love it and am excited about spending the next part of my life exploring new areas of creativity where I’m not in complete control. I find that is when one makes the really exciting discoveries.

Bill Steber Website: http://www.steberphoto.com/
Galery: http://www.steberphoto.com/gallery.htm

This graphic material is proprietary to Bill Steber. It is not to be reproduced, used or disclosed except upon written authorization of the author. You may contact by e-mail.

Interview: La Taberna del Blues.

Don’t you forget to mention the sources if you decide to share this interview. Thank you.

Graduado en filología inglesa y fotografía; periodista, fotoperiodista y enfermo de blues. Las raíces de árbol que nos guían a través de su página web son sólo una pequeña muestra del excelente trabajo que ha realizado Bill Steber. Lleva años -muchos- recorriendo el estado de Mississippi para explorar su cultura y profundizar en las raíces del Blues. Afirmo sin cortarme un pelo, que Bill Steber es la memoria gráfica de la historia del género y hemos tenido el placer de hacerle esta entrevista. Porque nosotros lo valemos ¡Qué diablos!

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1. ¿Cómo comienza su carrera como fotógrafo?

Mi padre, que no era un profesional de la fotografía pero sí muy aficionado, me dio mi primera cámara cuando tenía unos 9 ó 10 años. Aunque hacía fotos para el periódico y el anuario de la escuela, jamás consideré la fotografía como una posible carrera profesional. Fue entonces cuando descubrí -gracias a una asignatura en el instituto- a los grandes fotógrafos como Robert Frank, Garry Winogrand, Henri Carter-Bresson y tantos otros. Desde ese momento mi vida cambió y supe que tenía que hacer fotoperiodismo. Empecé a trabajar sin experiencia alguna como fotoperiodista freelance para el Tennessean, el diario de  Nashville en el que mi abuelo y bisabuelo habían trabajado durante buena parte del siglo XX. Acabé teniendo un trabajo a tiempo completo en el que permanecí durante 15 años antes de ponerme por mi cuenta en el año 2004.

2. Poca gente ha profundizado tanto en las raíces culturales de un estilo musical. Fotografíar la cultura blues de Mississippi fue una apuesta arriesgada para un fotoperiodista. ¿Qué le lleva a tomar una decisión así?

¡Ja! ¡Haces que suene tan serio! En realidad la motivación tuvo más que ver con la música que con la fotografía. La música es mi pasión, es lo que me ayuda a encajar y entender el mundo. Mi vida es una banda sonora constante y he tenido presente la música en cada una de mis creaciones.

El proyecto del blues comenzó de forma bastante accidental. Me habían enviado a Mississippi y convencí al escritor con el que viajaba para que condujera a través del Delta en el camino de vuelta a casa. A pesar de mi gran pasión por el Blues yo nunca había estado en esa emblemática zona. Paramos en Leland porque yo quería conocer a Son Thomas.

Cuando entré en su cabaña había una escultura de tamaño natural de una mujer muerta en un ataúd de madera en la estancia principal y una calavera de arcilla con dentadura humana sobre una repisa (Son no era sólo un gran bluesman sino también un artista de folklore muy conocido). Estaba sentado en su cama, encorvado de hombros, con un cigarrillo encendido en la mano. No lo había fumado, y la ceniza formaba un arco de cinco centímetros. La escena me resultaba hipnótica.

Tocó para mí unas canciones fantásticas, yo toqué la armónica con él y le saqué fotos con el ataúd. ¡Estaba deseando volver!

Cuando regresé 6 meses más tarde, Son estaba en el hospital muriéndose de un tumor cerebral. Darme cuenta por primera vez (de esa forma) de que esa maravillosa cultura musical estaba cambiando rápidamente prendió la chispa en mí y empecé a hacer viajes a Mississippi, construyendo y expandiendo el proyecto cada vez. Pensé que terminaría en un año. Eso fue en 1992. 18 años después aquí sigo y esto no tiene pinta de terminar.

3. ¿Cómo entraba en contacto con la gente a la que retrataba?

Estableciendo contactos. Por el boca a boca. Siendo curioso. Jim O’Neal, (fundador de la revista Living Blues y Rooster Records) me ayudó muchísimo con el proceso inicial. Él vivía en Clarksdale  por aquel entonces y me puso en contacto con la mayoría de mis primeros artistas. Desde ese momento he ido aprendiendo cada vez más, conociendo en persona a más artistas e incluso descubriendo a muchos por primera vez. Si escuchaba rumores sobre algún artista que viviera en ciudades cercanas no dudaba en acercarme y preguntar por la zona, a veces incluso sin saber el nombre del artista. Por ejemplo, en cierta ocasión alguien me comentó que había un músico en Coffeeville que tocaba en su porche todos los domingos, así que fui hasta allí y comencé a preguntar.

La gente del pueblo me llevó hasta Charles “Cadillac” Caldwel, y resultó fantástico. Le hice fotos, le entrevisté, toqué con él, estuvimos de charla y cenamos con su familia. Uno de los retratos que le hice se publicó en anuario musical del Oxford American Magazine, donde lo vieron los propietarios del sello Fat Possum, en el cercano pueblo de Oxford (Mississippi), que no habían oído hablar jamás de Charles, a pesar de que estaban en el pueblo vecino. Charles Caldwell grabó un álbum de blues fantástico para Fat Possum, pero por desgracia murió de cáncer antes de que el disco fuera editado.

Una de las cosas que procuro hacer es estar en contacto con tantos artistas como puedo y visitarlos en cuanto tengo ocasión siempre que estoy en Mississipi. Algunas veces consigo la mejor foto en la primera visita y otras veces me lleva años de visitas conseguir esa foto que sabes que les representa con justicia. Mi primera visita siempre es como un profesional, un extraño, pero las visitas posteriores siempre son como amigo.

4. Sus fotografías “se extienden” a lo largo de varios años. ¿Cómo se las arreglaba para ir y venir por allí durante tanto tiempo? ¿Cómo era el día a día durante uno de esos viajes?

Mi primer viaje fue en 1992, pero hacia 1994 ya me di cuenta de que aquello iba a llevar mucho tiempo si quería conseguir lo que buscaba capturar, así que empecé a usar mi tiempo de ocio, todas mis vacaciones, fines de semana, puentes e incluso excedencias del periódico no remuneradas.

Cuando empecé a salir con mi mujer, en 1990, nos fuimos a Europa de vacaciones. En 1991 visitamos China, y luego España en 1992. A ella le gusta decir que ya no volvió a viajar fuera del país en 13 años porque yo había descubierto Mississippi ¡y tiene razón! Desde aquel primer viaje en el año 92 he viajado al estado de la magnolia 120 veces y no tiene pinta de que vaya a parar. Pero desde que dejé el periódico en 2004 tengo un horario más flexible, y hemos estado dos veces en Europa, Japón y Costa Rica, así que está todo perdonado. Por lo que respecta al día a día de mi vida en Mississipi en los primeros tiempos, siempre iba con una lista de objetivos específicos que a menudo se iba a la basura tan pronto llegaba al Delta.
Verás, descubrí algo llamado el “tiempo de Mississipi”, que es como la teoría de la relatividad, excepto que pasa SIEMPRE más lento y de forma más impredecible que en ninguna otra parte. Sólo porque algo se suponga que tenga que pasar, no quiere decir que acabe pasando. Al contrario, muy a menudo pasa en su lugar algo completamente inesperado y mejor que el plan original, así que tienes que ser capaz de dejarte llevar y disfrutar la sorpresa. A través de los viajes por Mississipi aprendí a tener fe en la providencia. Mis mejores fotos siempre han venido como un regalo y una sorpresa a partir de momentos inesperados que tuve la suerte de presenciar y capturar. Pero eso sólo sucede cuando pasas mucho tiempo en algún sitio y estás dispuesto a cambiar las expectativas preconcebidas que pudieras tener, cosa que a veces es difícil de conseguir.

5. Hace diez años escribió que los juke joints se estaban muriendo. ¿Se ha certificado esa muerte finalmente o han conseguido revivir?

Dicen que se habla de la muerte del blues en cada generación y ahora entiendo por qué. Cuando empecé mi aventura hace 20 años en busca del genuino blues de Mississippi hablé con gente que había hecho reportajes antes que yo y los comentarios eran desalentadores: “Se ha perdido todo, los mejores están muertos, la música no es tan buena, los sitios no son tan buenos”. Bueno, quizá, pero quedaba gente y música suficiente como para ilusionarme. Yo quería lanzarme de cabeza y afortunadamente ignoré los comentarios y seguí adelante con mi propio proyecto. Sin embargo, con el paso de los años muchos buenos amigos del mundo del blues han fallecido, mis “juke joints” favoritos han cerrado o se han quemado, las viejas tradiciones están cambiando o han desaparecido…

Así que aquí estoy, todos estos años después, intentando no decir las mismas cosas, porque veo a los hijos de los viejos músicos continuar con la música de sus padres pero fuera de las raíces acústicas y rurales que tenían. Fotografíé a los últimos supervivientes de la primera generación que hizo grabaciones, a los últimos profesionales de las prácticas tradicionales de la cosecha del algodón, las últimas personas vivas con recuerdos del nacimiento de la cultura del blues del Delta, pero eso no significa que la cultura esté muerta. Simplemente está en un cambio constante y todos aquellos que perseguimos a los fantasmas del pasado nos sentimos amenazados y deprimidos ante mucho cambio. Pero la cultura vive. Mientras haya músicos tocando esta música, habrá un lugar para que toquen. Así que los “juke joints” permanecerán vivos de alguna manera.

6. Mississippi nos ha dado una sensación de zona deprimida, empobrecida. Los pueblos pequeños parecen semiabandonados y los que son algo más grandes, como Clarksdale, dejan una impresión general de haber dejado muy atrás tiempos mejores. ¿Hay luz al final del túnel? ¿Qué habría que hacer para reactivar la zona?

Para serte sincero la perspectiva a corto plazo es bastante deprimente para la supervivencia económica de muchos pueblos pequeños, pero el problema no sólo afecta a Mississippi (aunque el estado en general ha sido especialmente castigado). Irónicamente, la relajación de las leyes opresivas de Jim Crow y las oportunidades de expansión marcaron el comienzo de la decadencia de muchas ciudades en Mississippi. Antes de la II guerra mundial el Delta del Mississippi tenía una de la mayores concentraciones de afroamericanos del país debido a la necesidad de mano de obra negra en la recolección manual y la producción del algodón. A pesar de la naturaleza opresiva del trabajo de recolector, era mejor opción que la mayoría de las oportunidades económicas de los negros que habitaban en el Sur. Con la invención de sistemas mecánicos de recolección de algodón y la expansión de las oportunidades laborales en las ciudades del norte tras la II Guerra Mundial, los afroamericanos salieron masivamente del Sur y en particular de Mississippi en busca de las oportunidades que ofrecían el Norte y el Oeste. Cuando las leyes de Jim Crow se fueron derogando a partir de los 60, la gente negra pudo entrar en tiendas y restaurantes externos a las zonas de los distritos exclusivos para negros. Hay ciudades en el Delta de Mississippi que pasaron de tener una población de decenas de miles de personas a escasos centenares. Muchas ciudades pequeñas tienen ahora únicamente un puñado de tiendas o incluso ninguna donde antes había bulliciosos distritos comerciales.

Clarksdale ha sido especialmente agresiva en su intento de atraer nuevos residentes y negocios, con cierto grado de éxito, pero esta lucha es común a todo el corazón del territorio americano y el difícil momento económico actual, además del alto nivel de desempleo, hace que la recuperación sea todavía más difícil. Si hay un lado positivo, es que la creación de nuevas culturas, formas musicales y arte vernáculo casi siempre surgen de zonas pobres donde la gente no puede permitirse gastar dinero en entretenimiento y deben recurrir a su propia creatividad para divertirse. El espíritu humano tiene un gran poder de recuperación y el blues es una de las más hermosas manifestaciones de ese poder.

7. Se dice que cualquiera puede hacer una fotografía debido a los avances tecnológicos pero los aficionados y profesionales sabemos que una foto va más allá de disparar y pasar una imagen al ordenador. ¿Qué cualidades definen para usted a un buen fotógrafo?

Lo que define a un verdadero artista es una curiosidad voraz, la pasión por descubrir y practicar y la tenacidad de seguir trabajando a pesar de los fracasos. Hasta el mejor bateador de baseball falla en un 70% de las ocasiones. El arte consiste en solucionar problemas. Escritores, pintores, fotógrafos, bailarines, músicos, cualquiera que haga algo creativo comienza con el reto de tener que comunicar una idea, un sentimiento, una emoción, usando herramientas, objetos, voces, cuerpos, mentes que a menudo a veces se esfuerzan en ser obstinadamente poco colaboradoras.

Así que los nuevos caminos hacia el descubrimiento se forjan a costa de mera fuerza de voluntad, rindiéndose a las pasiones tanto positivas como negativas, años de práctica extenuante, azar, muchos errores y lo más importante: la necesidad sin límites de mantenerse creando, descubriendo y encajando en lo que te rodea y en el proceso creativo.

La razón por la que escogí la fotografía como mi medio de expresión es porque, en cierto sentido, tiene las mayores limitaciones. Escritores, pintores, compositores, todos ellos tienen que enfrentarse a la temida página en blanco. En fotografía todo se reduce a dos decisiones: lo que metes en el encuadre y cuándo debes capturar el momento. Todo lo demás fluye desde esas dos decisiones básicas. Para mí, tener limitaciones fue liberador porque me cuesta tomar decisiones cuando me enfrento a demasiadas opciones. Además, el fotoperiodismo me permitió explorar mi creatividad de una forma que me obligaba a encajar activamente con el mundo exterior de una forma en la que la escritura o la pintura no lo hacían. Cada fotografía es un ejercicio de colaboración entre el mundo exterior y tú, y como el agua, consigues lo que quieres de forma más sencilla si no opones demasiada resistencia. ¿Cuál es la diferencia entre el escritor y el mecanógrafo? Uno de ellos tiene algo que decir y el otro sencillamente copia. Alguien me dijo una vez que mis fotos eran realmente buenas y que querían una cámara como la mía. A riesgo de parecer arrogante, eso es como comprarse una Stratocaster® y esperar tocar como Eric Clapton o Jimi Hendrix inmediatamente. La cámara es como cualquier otra herramienta. No va a hacer el trabajo por sí sola.

8. ¿Qué fotógrafos le han influido o inspirado?

Hay demasiados que podría nombrar, pero enumeraré unos pocos de los que he aprendido, robado, con los que me he “peleado” y finalmente he hecho las paces. El fotógrafo musical más grande de todos los tiempos es Herman Leonard, a quien valoro como amigo y mentor. (¡Me alegra que no me haya demandado por robarle sus ideas sobre iluminación!). Hay algunos fotógrafos que cambiaron mi vida al principio y que me hicieron querer convertirme en fotógrafo, como Garry Winogardn, Emmett Gowin, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Eugene Richards, Walker Evans, Josef Koudelka, Diane Arbus, Sebastiao Salgado, Edward Weston, Arthur Tress, Ralph Eugene Meatyard, todos los fotógrafos de la FSA [Farm Security Administration, programa creado en los años 30 para ayudar a los granjeros tras la gran depresión, que produjo decenas de miles de fotografías documentales de la América rural], Elliott Erwitt, Gilles Peress, Bruce Davidson, W. Eugene Smith, Arnold Newman, y muchos otros.
Adoro las fotografías del Sur hechas por William Chrstenberry, Sally Mann y Birney Imes. También me gustaría hacer una mención especial al fotógrafo de Life Magazine Ed Clark, que fue amigo íntimo de mi familia, un amigo especial y un mentor para mí al final de su vida.

9. ¿Qué es lo primero que mira usted en una fotografía que no sea suya?

El gran compositor [de country-folk y blues] Townes Van Zandt dijo una vez “Hay dos clases de música: el Blues y el Tra Lara Lara“. No es que se refiriera literalmente al blues, sino más bien a música con sustancia y significado; algo real, vital, en contraposición a una especie de algodón dulce, puro azúcar dando vueltas. Yo creo que puedes extender esa comparación a prácticamente cualquier esfuerzo creativo y la fotografía no es diferente en ese sentido.

Respeto mucho cualquier fotografía, incluso aunque no me guste personalmente, si tiene alma e integridad, si hay algo -lo que sea- en ella más allá del proceso en sí mismo. Lo que quiero decir es que durante los últimos 30 años o así, una buena parte de la fotografía aclamada en el mundo del arte no va realmente de fotografía, en el sentido de que la cámara es algo circunstancial en la creación del arte. No quiero decir que el “arte del proceso” -o “arte conceptual” carente de contenido- no sea legítimamente arte. Pero a mí las fotos no me conmueven si no hay humanidad en ellas. Esa humanidad puede estar expresada en la pose de una modelo fotografiada por Irving Penn, la vida alrededor de un almacén de pimientos fotografiada por Edward Weston, o los ojos llenos de dolor de una víctima de guerra fotografiados por James Nachtwey -siempre ha de haber una conexión humana y alguna clase de contenido que hable de nuestra humanidad colectiva.

10. ¿Una buena foto se encuentra en cualquier sesión o se busca meticulosamente?

Todas las grandes  fotografías son el resultado de la suerte. Pero cuanto más trabajes más suerte tendrás.

11. ¿Cuál de sus fotos es “la niña de sus ojos”? ¿Por qué?

Si le pides a cualquier persona creativa que escoja su obra favorita te dirá que es como escoger a su hijo favorito: es imposible. Dicho esto, hay unas pocas a las que les he venido teniendo de forma consistente un especial cariño. Una de mis favoritas se llama “Bird, Stoval, MS” y representa un pájaro muerto, parcialmente desplumado, entre las manos de una joven al borde de un campo de algodón. Sus dedos oscuros están cubiertos por una fina capa del rico humus del Delta y todo lo que se ve de su cara es una boca madura y bien formada y unas tersas mejillas. La aspera piel muerta del pájaro contrasta con la hermosa piel de la chica, un estudio sobre la vida y la muerte, la belleza y la fealdad, lo sublime y lo grotesco. Esto resume lo que siento por el blues, algo alegre y hermoso nacido de la miseria y el dolor, una forma de arte cruda e inquebrantable que encuentra el camino y la afirmación en la expresión de su propio sufrimiento.

12.¿Podría contarnos alguna anécdota destacable de su experiencia en Mississipi?

Bueno, la mayoría de mis mejores historias están relacionadas con la gran cantante y guitarrista de contry de Mississipi Hill Jessie Mae Hemphill. ¿Te cuento  la vez que la llevé a Columbus, Mississipi, buscando a un hechicero para que la curara? ¿O cuando estábamos viendo la tele en su caravana cuando salió el veredicto de OJ Simpson? ¿O la vez que una pistola cargada casi se le cae del bolso en la caja del Walmart [cadena de supermercados americana]? ¿O la vez que disparó esa pistola por encima de mi cabeza cuando estaba yo en su jardín investigando un ruido?

Lo de Jessie Mae y las pistolas viene de muy atrás. Una vez me contó que cuando tenía 9 años había un chico mayor en su escuela que tonteaba con ella (jugaba con su pelo y cosas así), y ella se pensaba que era su novio. Claro, hasta que un día pasó caminando frente a su casa con otra chica. Jessie Mae fue entonces y cogió la pistola de su madre de debajo de la almohada, salió al porche y empezó a disparales. Pero no les dio a ninguno porque no sabía cómo cargar la pistola y ellos escaparon corriendo. Se reía cuando me lo contaba: “Para cuando la bala llegó a donde estaban, ellos ya se habían largado a otra parte. ¡Pero el chico perdió su sombrero y ella perdió un zapato! ¡Ya te digo, menuda gangster estaba hecha ya de cría!”. Jessie Mae repuso las balas, limpió la pistola con cenizas de la chimenea y la puso de nuevo bajo la almohada de su madre. Sabía que a la mañana siguiente su madre iba a estar recogiendo algodón con la madre de la chica, así que tenía miedo de que la pillaran si la madre de la chica le decía algo a la suya. Jessie Mae salió con su madre a recoger algodón al día siguiente, metiendo el algodón en una funda de almohada que llevaba con ella, y así las oía hablar. La mujer le dijo a su madre que Jessie Mae había tratado de pegarle un tiro a su hija el día anterior. “Pero Dios debió de soplarle en el oído a mamá ese día”, decía Jessie Mae, “porque mi madre no entendió  nada de lo que dijo aquella mujer. No entendió que lo que le estaba contando había pasado de verdad. Mamá le dijo ‘Sí, los críos hacen cosas así’. ¡Si mi madre hubiera entendido lo que le estaba intentando decir aquella mujer me habría matado!”

13. Retoque digital ¿A favor o en contra?

Para fines artísticos o comerciales todo es válido. Pero si la imagen es para propósitos documentales mi principal regla es que no deberías hacer en el ordenador lo que no puedas hacer en el cuarto oscuro. Ahora, por supuesto, tenemos toda una generación de fotógrafos que no han visto jamás un cuarto oscuro así que me temo que eso está perdido para ellos. Pero ¿sabes? no me preocupa el retoque digital. No puedes crear contenido con el ordenador. Auténtico contenido no. Al final, una fotografía de verdad siempre superará a una impostora mejorada digitalmente de la misma forma que un cantante de verdad con sus imperfecciones siempre estará más reconocido que un mal cantante perfeccionado electrónicamente. No siempre ves la diferencia a la primera, pero puedes notarlo en tu estómago. Ocurre lo mismo con la música. Esta es la razón por la que la música anterior a la era digital siempre perdurará y la mayoría de lo que se está creando ahora se olvidará para siempre a corto plazo.

14. Sabemos que usted tiene otras habilidades, concretamente musicales ¿En qué momento se encuentra ahora mismo respecto a esas inquietudes?

Cuando dejé el periódico en el año 2004 decidí empezar a llevar a cabo algunas cosas que siempre había querido hacer cuando tuviera tiempo. Empecé tocando viejas melodías de blues y hillbily con un viejo amigo y profesor de filosofía en el colegio. Tres de sus alumnos en aquél momento se unieron y pronto tuvimos una jug band llamada los Jake Leg Stompers que tocaba todos los viernes noche en un café local. De ahí pasamos a clubs más grandes, festivales y algunas actuaciones en TV. Ahora, cinco años después, estamos lanzando nuestro tercer álbum, “Hill Country Hoodo”, producido por Jimbo Mathus, fundador de los Squirrel Nut Zippers. También tuvimos la suerte de contar con mi amigo Luther Dickinson de los North Mississippi Allstars tocando y cantando en un par de temas, así como al Reverendo John Wilkins (hijo del bluesman Robert Wilkins) y a la Rising Star Fife and Drum Band (los nietos de Otha Turner). Jimbo Mathus hace la voz principal en un par de temas. El álbum es un tributo de una banda “all-star” a la música del condado de Mississippi Hill, con un libreto de 24 páginas a color con algunas de mis fotos inéditas y objetos de Mississippi que he ido coleccionando a lo largo de los años.

También toco en un grupo llamado Jericho Road Show con Steve Gardner, antiguo habitante de Mississippi y gran fotógrafo de blues que en la actualidad vive en Tokyo, y Washboard Chaz de New Orleans (Chaz participó recientemente en el gran proyecto “Playing for change” que reunía a músicos de todo el mundo para tocar temas clásicos de pop, soul y reggae). En 2009 tuvimos la oportunidad de abrir el Festival de Blues de Viena en Austria, y en Febrero de 2009 estuve de gira por Japón con Steve Gardner. Después de años escuchando y observando esta música en los lugares en los que se creó, tenía la oportunidad de compartir mi versión de esto con otros en casa y en el extranjero, cosa que me hacía muchísima ilusión.

15. ¿Con la cámara y los instrumentos musicales a cuestas siempre?

Lo creas o no, desde que dejé el periódico prefiero hacer una foto normalita con mi iPhone antes que andar cargando con una cámara por ahí. ¡Pero siempre tengo una guitarra, un ukelele y algunas armónicas en el coche por si se tercia una jam!

16. Los fotógrafos amateur somos así: ¿Qué equipo suele llevar en sus trabajos de campo?

Para la mayoría de mis trabajos remunerados uso una Canon 5D digital de 35mm, pero cuando estoy haciendo trabajo de campo por mi cuenta uso una Hasselblad C7M con una lente de 50mm y película Tri-X en blanco y negro.  Tengo otros tres objetivos para la Hasselblad, pero casi siempre uso el 50. Para iluminar uso principalmente cabezas Lumedyne de 200W alimentadas con pilas con disparadores por radio Quantum, pero también tengo unas unidades estroboscópicas White Lightning para cuando tengo acceso a un enchufe.

Cuando trabajo en un Juke Joint, casi siempre apunto una cabeza estroboscópica con reflector montada en un pie directamente a los músicos, en un ángulo de 45 grados a la derecha o la izquierda de mi posición, y uso un segundo estrobo Lumedyne montado en un arnés de cámara que apunto directamente sobre la cabeza o ligeramente por detrás de mí y que cuelgo del techo para iluminación de relleno. Mi objetivo es no romperme la cabeza con la iluminación, sino más bien intentar potenciar la que ya haya allí. Puedo tirar a mano con una 35 mm. sin prácticamente luz en la sala, pero la Hasselblad no es tan permisiva, así que pienso“¿Qué haría Herman Leonard?”y actúo a partir de ahí.

17. Se le ha definido como un fotógrafo capaz de plasmar la esencia del blues en sus fotos y nosotros nos preguntamos ¿qué tipo de blues es el que le roba el alma a usted?

Como dijo Walt Whitman “Soy grande, contengo multitudes.”  Tengo un apetito voraz no sólo por el blues, sino por todo tipo de buena música, siempre que tenga espíritu y humanidad. No podía imaginar un mundo sin música. Al menos, no un mundo en el que quisiera vivir. Escucho música de Cuba y África (como Buena Vista Social Club, Tinariwen, Orchestra Baobab); compositores como Tom Waits, Neil Young, Randy Newman, Dulan, Daniel Johnston, Steve Earle; bandas retro de raíces como Squierrel Nut Zippers, R. Crumb and his Cheap Suit Serenaders, Leon Redbone, Asylum Street Spankers; Jazz y música Country hasta 1965 o así; hillbilly antiguo, pop y ragtime, gypsy jazz y música Hawaiana de los años 10, 20 y 30. Incluso cosas contemporáneas como Flaming Lips, los Eels o White Stripes. Si me pusiera a enumerarlo todo ocuparía demasiado espacio. Tengo como 60.000 canciones en mi ordenador personal, sin contar todos los vinilos y 78s que escucho en el tocadiscos. Puedo decir que la única música que JAMÁS escucho es el pop de los 80 , que tuve que soportar durante mis años de instituto y universidad. Esa es la razón por la que en última instancia descubrí el blues.

18. ¿Artistas de blues favoritos?

En general prefiero las primeras grabaciones de blues anteriores a la mitad de los años 30 por la vitalidad desbordante y la energía creativa. “Dark Was The night, cold was the ground” de Blind Willie Johnson son los mejores tres minutos de grabación de la historia de la música. Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Robert Wilkins, Memphis Jug Band, Skip James, Blind Blake, Memphis Minnie, Mississippi Sheiks and Mississippi John Hurt son sólo unos pocos ejemplos que para mí definen el máximo nivel de la etapa más temprana del Blues. Sobre 1935 los grandes sellos como Bluebird y Vocalion empezaron a crear el sonido que se convertiría en el estándar del blues que todavía perdura.

Hay excepciones por supuesto, con Robert Johnson, Dan Pickett y Tommy MacClennon como ejemplos del gran blues de pre-guerra posterior a 1935. De la etapa de postguerra me encantan Muddy Waters, Robert Nighthawk, Howling Wolf, Sonny Boy Williamson II, John Lee Hooker y todos los músicos de la época Chess.

Del periodo de renovación del blues de los 60, algunos de mis favoritos son Mississippi Fred McDowell, Blind Connie Williams, Peg Leg Sam, Pink Anderson, Rev. Gary Davis and Hound Dog Taylor. Algunos de los artistas de Mississippi que acabé conociendo y aquéllos que me llegaron al alma tanto personamente como con su música, como Junior Kimbrough, R.L. Burnside, Willie King, Willie Foster, Lonnie Pitchford, Honeyboy Edwards, Otha Turner, Eugene Powell, Jack Owens, Jessie Mae Hemphill y Joe Cole.

19. ¿Cree que el blues goza de buena salud en la actualidad?

Va y viene. Todas las músicas tradicionales atraviesan épocas de crísis de identidad de cuando en cuando, y el caso del blues no es diferente. De acuerdo, mucho de lo que se hace pasar por “blues” es poco más que lo que yo llamo “blues de bar deportivo”, o un rock and roll de pega, de inspiración blusera, diseñado para aumentar la venta de cerveza. El mayor peligro para cualquier arte es que se estanque, que se convierta en predecible y termine su vida como música de llamada en espera en los teléfonos. Mucha gente cree que esto ya ha ocurrido con el blues hace mucho tiempo, y en parte tienen razón. El blues que adoramos muchos de nosotros fue condenado al ostracismo a mediados de los 60 por las comunidades que lo habían creado, pero creo que hay grandes artistas que mantienen vivo el espírituo de la vieja música negra como Alvin Youngbllod Hart, Corey Harris y los Carolina Chocolate Drops. El disco que sacaron el otoño pasado los Texas Sheiks de Geoff Muldaur es, a mi juicio, uno de los mejores de blues revival que haya escuchado nunca. Y cada vez hay más jóvenes músicos afroamericanos por toda América que están redescubriendo la vieja música. En Marzo se celebrará el segundo Black Banjo Gathering (reunión) en Boone, NC, que es un movimiento creado para animar a los artistas negros a recuperar los estilos musicales que ellos inventaron y después abandonaron a primeros del siglo XX en favor de nuevas formas.

De todas formas, la idea de que los negros del sur abandonaran el Blues es más bien un mito. Sencillamente se transformó en la escena moderna del Chitlin’ Circuit de Rhythm and Blues. Sólo porque la mayoría de los aficionados blancos no escuchen a artistas como Willie Clayton, Denise LaSalle, Latimore y Bobby Rush no significa que no estén considerados como artistas de blues por la comunidad negra de la que procede la música.

20. ¿Cambió su vida después de una experiencia tan intensa inmerso en las raíces del blues?

Absolutamente. Una experiencia profundamente positiva y enriquecedora que cambió mi vida. Soy un hombre terriblemente afortunado. He conocido a varios artistas de la comunidad del blues tradicional a los que puedo considerar no sólo amigos, sino mentores, y he cambiado para siempre gracias a su generosidad compartiendo sus reflexiones y su música conmigo.

21. ¿Qué aconsejaría a los lectores que ahora mismo le leen y se están planteando dedicarse a la fotografía de conciertos, de la música?

Cualquier tipo de especialidad  fotográfica, del medio que sea, es extremadamente complicada hoy en día. Nunca ha habido tantas oportunidades de dar salida a las inquietudes fotográficas y sin embargo nunca ha sido tan complicado como ahora ganarse la vida como fotógrafo. El problema de tratar de seguir modelos económicos del pasado es que los periódicos y las revistas están bajo una fuerte presión competitiva por parte de internet y ya no tienen ni los presupuestos ni las plantillas de antaño. La otra fuente de ingresos principal para los fotógrafos musicales han sido los sellos discográficos y ellos tienen todavía más presión al estar la industria en un proceso de contracción. El mayor problema es la oferta y la demanda.
La fotografía de conciertos nunca ha sido muy lucrativa para la mayoría de los fotógrafos, simplemente porque siempre ha habido más gente interesada en tirar fotos que trabajos pagados disponibles, con lo que no hay dinero. Puede que fuera diferente en los 60 y los 70, pero ahora todo el mundo tiene una cámara y el acceso está muy restringido, así que la competencia es dura. Para ser sincero, la fotografía musical documentalista que hago, la hago más por amor que por dinero. A pesar de vender impresiones de mi trabajo a coleccionistas y de ser publicado en revistas, a lo largo de los años probablemente he gastado más en este proyecto que lo que he ganado. Y por mí está bien. De todas formas nunca lo hice por dinero. Ahora, dicho esto, todavía me gano la vida fotografiando, principalmente, cosas relacionadas con la música y disfrutando cada una de ellas.

22. ¿Cuándo le veremos por España? hay buenos festivales de blues y mucha pasión por el género.

Tengo mucha gana tanto de hacer fotos como de tocar por España.

Cuando visité España en 1992, me encontré con uno de los países más amistosos en los que he estado nunca. La gente era tan maravillosa y generosa que raramente me he sentido más como en casa en una tierra extranjera. Como fotógrafo, me encanta fotografiar a la gente dondequiera que vaya por el mundo y hasta ahora España es el único lugar en el que he estado en el que nunca me negaron una foto cuando pedí permiso. Ni una sola vez.

Una vez estaba fotografiando una panorámica en Montoro y una señora me invitó a su casa para tener una vista mejor desde su balcón. Cuando me iba insistió en darme unas conservas caseras, huevos frescos y una ristra de pimientos bien hermosa, ¡y me tuve que ir antes de que me diera todo lo que tenía en la cocina! Me dijo que si alguna vez necesitaba un sitio donde quedarme, podía ir allí con ella y su hijo. Eso es lo que recuerdo de España. Una tierra bella y generosa.

El Marzo pasado cuando estaba tocando en Berlin, conocí un par de músicos españoles geniales: los hermanos Marcos Coll y Adrián Costa, que graban bajo el nombre “Los Reyes del KO”. Me impresionó lo mucho que habían absorbido y entendido la tradición del blues americano, y su increíble talento y sensibilidad musicales. Los vi tocar en un club y luego toqué con ellos en casa del gran pianista de blues alemán Chris Rannenberg. Como los otros españoles que conocí, resultaron ser muy cálidos y comprometidos con su música y nos hicimos amigos. Me encantaría volver a España a por más blues (¡y paella!)

23. ¿Cuáles son sus proyectos actuales?

Todavía hago varios viajes al año a Mississippi para continuar el proyecto, pero el empuje ya no es el que era. Durante el último par de años he estado en una transición del enfoque de mi trabajo hacia fotografía del siglo XIX. He hecho algunos retratos de músicos en Mississippi y Carolina del Norte, pero estoy experimentando con distintos enfoques simultáneamente para ver en qué dirección acabo yendo para un proyecto más extenso. Mi amigo Dom Flemons de los Carolina Chocolate Drops me ha invitado a traerme los trastos de a Carolina del Norte para el Black Banjo Gathering a finales de Marzo, así que espero conseguir algunas buenas imágenes por allí. Todavía me siento en la fase de aprendizaje con este proceso –es muy complicado y lleva mucho trabajo-, pero me encanta y estoy entusiasmado con la idea de pasar la siguiente etapa de mi vida explorando nuevos espacios de creatividad sobre los que no tengo un control total. Ahí es cuando uno hace los descubrimientos más alucinantes.

Página Web de Bill Steber: http://www.steberphoto.com/
Galería de imágenes: http://www.steberphoto.com/gallery.htm

Todas las imágenes son propiedad de Bill Steber y tienen Copyright © Si deseas obtener alguna de las imágenes contacta con el autor a través de los datos facilitados en su página web.

Traducción: David García & Mabel “Ladyblues” para La Taberna del Blues.

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Gran noticia para los aficionados ¡habemus nuevo festival de blues! en Madrid. Lunas de Blues, días 2-3 de Julio Leganés se llena de blues de la mano de Txus y Bluefingers, Darío Lombardo and The Blue Gang, Alex Caporuscio, Violante Blues, King Bee, Tonky Blues Band y Boney Fields. También habrá un concurso de maquetas. Os facilitamos toda la información en pdf para que podáis imprimirla y consultarla de camino a vuestros locales de ensayo!!! salud y Blues.

Más información:Web Lunas de Blues

Descarga el programa en pdf: INFORMACION ACTIVIDADES FESTIVAL BLUES

Descarga las bases del concurso de maquetas: CONCURSO MAQUETAS DE BLUES

Blueshondarribia, en su V edición, acogerá la European Blues Conference convirtiéndose en el punto de mira del blues Internacional y no sólo eso sino que el cartel de este año nos trae a varias leyendas del blues entre las que se incluyen tres músicos galardonados con un premio Grammy: Pinetop Perkins, Salomon Burke y …Sugar Blue. Del 8 al 11 de julio los enfermos de blues tenemos una cita ineludible!!!!

ACTA DEL JURADO FASE FINAL. 29 Y 30 DE ABRIL DE 2010.

Reunido el jurado del concurso formado por: Miriam Aparicio en representaciónde la SBB, José Luis Martín en representación de Bad Music, Vicente Zúmelespecialista en el genero y titular del programa la Hora del Blues. Tota (FlavioRigatozzo) organizador del concurso y Joan Ventosa organizador en representación de BadMusic Blues actuando como secretario del jurado ( sin voz ni voto), y de acuerdo con lasbases del mismo se procede al computo de puntos de todas las bandas participantes en la fasede semifinales.

Del computo de votos obtenido en la final de modalidad“acústico” realizada, el dia 29 deabril de 2010 en Euskal Etxea de Barcelona, siendo los finalistas : The Messin’ Kids Trio yJohnny Pérez& Little Jordi . El resultado ha dado como ganador a: JOHNNY PÉREZ & LITTLE JORDI.Del computo de votos obtenido en la final de la modalidad “banda eléctrica” realizada el dia30 de abril de 2010 en la Sala Monasterio de Barcelona, siendo los finalistas: A Contra Bluesy Black Cat Bone, el resultado ha dado como ganador a: A CONTRA BLUES

Con este veredicto se da por concluido el concurso de Blues Budweiser y comunicadooficialmente sus resultados a todos los efectos.En Barcelona, 30 de abril de 2010.